El punto de vista
Los principales factores que determinan el punto de vista son los planos de corte (la escala de reproducción) y el ángulo de toma (angulación de la cámara)
Planos de corte
Los planos de corte definen la escala a la que se va a reproducir la figura (objeto o sujeto) respecto al fondo. O, dicho de otra manera, el grado de acercamiento de la cámara al sujeto u objeto. La nomenclatura de los planos de corte viene del mundo del cine, donde no siempre se usan las mismas denominaciones (aunque hay variaciones muy pequeñas). Nosotros proponemos éstas, que consideramos las más utilizadas, Entre paréntesis ponemos las siglas que se suelen emplear para resumir.
Hay 3 grupos, en los que se inscriben otros 3 tipos de corte
PLANOS GENERALES
– Gran Plano General (GPL), llamado en ocasiones, simplemente, Plano General
– Plano Conjunto (PC)
– Plano Entero (PE)
PLANOS MEDIOS
– Plano Medio Largo (PML) o Plano Americano
– Plano Medio (PM)
– Plano Medio Corto (PMC)
PLANOS CORTOS
– Primer Plano (PP)
– Primerísimo Primer Plano (PPP)
– Plano Detalle (PD)
Cuando se quiere contar historias (en una película o un reportaje fotográfico, por ejemplo) la alternancia entre los distintos tipos de planos es fundamental para la estructura narrativa:
Planos Generales
Llamados también “planos de contexto” porque sirven para presentar la situación en la que se desarrolla la acción. Responden a la pregunta de “dónde” se produce lo que se está contando.
Planos Medios
Son una buena solución de compromiso entre contexto y acción. Responden al “qué” sucede.
Planos Cortos
Presentan al personaje, describen detalles de la acción. Responden al “quién” protagoniza la narración.
Tomemos como ejemplo un clásico de la narración fotoperiodística, Eugene Smith y sus “ensayos fotográficos” para la revista LIFE:
Pero cuando las fotografías tienen carácter individual y no forman parte de una estructura narrativa, como es un reportaje, los planos de corte marcan la proporción de tamaño entre la figura y el fondo, un factor importante para la composición de la imagen.
Para definir los planos se usa como referencia la figura humana, lo que no quiere decir que no se pueda usar la misma terminología cuando se fotografían objetos.
Veamos en detalle por dónde se producen los cortes:
Gran Plano General
La figura ocupa un espacio pequeño en relación a la escena. Los rasgos individuales apenas se aprecian. A veces se distingue entre Gran Plano General y Plano general. El primero es aún más abierto y el sujeto apenas se distingue. Como en estas fotos de Bill Brandt y Ruth Thorne Thompsen.
Plano Conjunto
Es el plano típico de la foto de grupo. Dos ejemplos de August Sander y Loretta Lux:
Plano Entero
El sujeto aparece de cuerpo entero, con el máximo aprovechamiento del espacio (incluyendo lo que los pintores llaman “aire”, algo de espacio por arriba y abajo). También de August Sander y Loretta Lux (en los siguientes subapartados la primera de él y la segunda de ella):
Plano Medio Largo (PML), Plano Americano o 3/4
Corta en torno a las rodillas. En el cine europeo el plano medio largo cortaba a mitad de muslo, pero las películas norteamericanas del Oeste empezaron a alargar el plano para poder incluir las pistolas.
Plano Medio (PM)
Corta por la cintura
Plano Medio Corto (PMC)
Se le llama también plano de busto porque corta a esa altura.
Primer Plano (PP)
Corta a la altura de los hombros
Primerísimo Primer Plano (PPP)
Incluye sólo el rostro (de Carl Mydans y Rankin):
Plano Detalle (PD)
Sólo una parte del rostro (o del cuerpo). De Man Ray y de Irving Penn:
Otros cortes (cortes propiamente fotográficos)
Muchos de los planos de corte que hemos visto (excepto los planos más cortos) los tomaron la fotografía y el cine de la pintura. Los pintores del Renacimiento comenzaron a entender el lienzo como si fuera una ventana al que se van acercando los personajes. Por eso, si te fijas, los cortes sólo se realizan con el margen inferior (nadie se asoma a una ventana dejando la cabeza por encima. Un pintor, antes de la influencia fotográfica, nunca “cortaría la cabeza” de un retratado).
Sin embargo, los fotógrafos hacen otro tipo de cortes que les son propios (no aparecen en la pintura hasta casi un siglo después de la invención de la fotografía, y por influencia de ésta, y apenas se utilizan en el cine). No tienen un nombre concreto, porque nacen como un acto de rebeldía académica y porque la fotografía es una actividad más bien solitaria y no hay tanta necesidad de nombrar los planos (a diferencia del cine, donde la necesidad de dejar anotaciones muy claras es fundamental en un medio en el que intervienen muchas personas que, a veces, no tiene contacto directo entre sí).
El encuadre fotográfico corta también con el borde superior y los laterales (de Jean Mohr, Irving Penn, André Kertész y Richard Avedon):
Angulación de cámara
Cuando la cámara deja de estar perpendicular al sujeto en un plano vertical se llama angulación. Adoptar un ángulo de cámara u otro también tiene una sintaxis propia que vamos a ir viendo
Plano a nivel
Cuando la cámara está perpendicular al sujeto, es decir, no hay angulación, se llama plano normal o “a nivel”. Se le considera el de mayor objetividad, el que se debe usar para contar los hechos sin que parezca que el fotógrafo está interviniendo y opinando sobre lo que ve.
August Sander, fotógrafo de la llamada “Nueva objetividad alemana”, uso el plano a nivel en todos sus retratos, ya que pretendía establecer, al igual que un científico, una especie de registro minucioso de todas las categorías sociales de los alemanes de su tiempo sin que sus simpatías o antipatías se vieran reflejadas en sus imágenes.
Contrapicado
Las angulaciones de cámara, hacia arriba o hacia abajo, son más subjetivas y se consideran que dan más relevancia al punto de vista del fotógrafo.
Cuando la cámara se dirige desde abajo hacia arriba, es un contrapicado.
Este tipo de plano, en retratos, ensalza al personaje. Cumple la misma función que el pedestal en una escultura clásica, por lo que está lleno de connotaciones: destacar, aislar, elevar por encima de los demás, reforzamiento del poder, respeto, visión heroica, elevación espiritual…
La mayoría de los retratos que los fotógrafos oficiales hicieron a Hitler y Mussolini están hechas con tomas contrapicadas. Actualmente, en los sistemas democráticos, muchas de las fotos de los candidatos electorales todavía se sitúan ligeramente desde un punto de vista más bajo, situando la cámara algo por debajo de la mirada. Ningún político democrático ni ningún fotógrafo que conozca su oficio, salvo que quisiera ridiculizar al fotografiado, se permitiría un contrapicado con una gran angulación, como las fotos de los dictadores.
Picado
Cuando la cámara se dirige desde arriba hacia abajo es un picado. Puede crear connotaciones contrarias al contrapicado: sensación de fragilidad, indefensión o puede empequeñecer e incluso ridiculizar al fotografiado.
El fotógrafo judío Arnold Newman utilizó este recurso (junto a otros) cuando le encargaron el retrato de Alfred Krupp, industrial del acero que fabricó la mayor parte del armamento que usó Hitler en la II Guerra Mundial. Por razones obvias, Newman no sentía ninguna simpatía hacia el personaje y dispuso una iluminación que le daba un aire siniestro y un punto de vista que le hacía parecer insignificante y mezquino.
Los puntos de vista extremos (contrapicado y picado a 90º) se prestan a la experimentación y la abstracción, por eso se usan poco en las narrativas realistas o periodísticas
Nadir
Visión a 90º, o casi, desde abajo hacia arriba (ejemplo de William Klein)
Cenital
Visión a 90º, o casi, desde arriba hacia abajo (ejemplo de Edward Burtinsky. Benidorm, España)
Plano aberrante o plano holandés
El plano aberrante no es una angulación en el plano vertical, como las anteriores, sino cuando se inclina la cámara hacia un lado, de forma que las líneas horizontales y verticales pasan a ser oblicuas. Produce inquietud, desasosiego, inestabilidad.
El reportero Eugene Richards, de la Agencia Magnum, lo utilizó frecuentemente en su impactante ensayo fotográfico: “Cocaine true, cocaine blue”, donde muestra el problema de la cocaína en EEUU desde todos los puntos de vista. El plano aberrante, junto con otros recursos visuales, crea un malestar en el espectador que convierte en mucho más impactante el tema.
Eugene Richards, Cocaine true, cocaine blue
El Constructivismo y la Nueva Visión
Los puntos de vista propiamente fotográficos comenzaron a principios del s. XX bajo la influencia de las Vanguardias artísticas. En la Rusia prerrevolucionaria y en los primeros años de la Revolución soviética muchos artistas vanguardistas, especialmente los constructivistas, tomaron parte en el proceso aportando nuevas perspectivas visuales. Si, como pensaban, el mundo estaba viviendo tiempos nuevos ya no servían las viejas herramientas, era necesaria una mirada nueva y unas nuevas formas de contar y representar.
El artista constructivista Alexander Rodchenko abandonó los pinceles para convertirse en uno de los fotógrafos más influyentes del s. XX. Para subvertir la mirada tradicional Rodchenko proponía renunciar a los “planos de ombligo” (las cámaras de la época tenían el visor por arriba, por lo que se usaban apoyadas en la cintura, o sea, cerca del ombligo), como llamaba despectivamente a los planos a nivel. Sus imágenes están llenas de picados, contrapicados, cenitales, nadires y planos aberrantes, que favorecen la aparición de las líneas oblicuas, tan queridas por los constructivistas.
El Constructivismo ruso influyó mucho en la Bauhaus, la escuela alemana de vanguardia. Moholy Nagy, el profesor que introdujo la enseñanza de la fotografía en la Bauhaus, adoptó esa estética en sus fotomontajes y fotografías directas, además escribió sobre la búsqueda de las nuevas formas en fotografía, a las que nombró con el término de “Nueva Visión”. Fueron muchos los fotógrafos del “periodo de entreguerras” que se entusiasmaron con la estética influida por el Constructivismo.
Hay que añadir que la búsqueda de nuevos puntos de vista que los nuevos tiempos requerían se vio favorecida por la aparición de un instrumento sin el cual quizás no hubiera sido posible las imágenes de los años 20 y 30: la Leica, una cámara de pequeño formato (35 mm) que se podía usar con una sola mano (el resto de cámaras eran grandes y pesadas) y poner en ángulos y situaciones impensables hasta entonces. Ejemplos de Moholy Nagy:
